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Jeder Mensch hinterlässt Spuren. Täglich, stetig, immer. Die Krümel auf dem Küchentischzum Beispiel. Klein und unbedeutend und vergangen, bevor man sie richtig wahrgenommenhat. Dann gibt es die Spuren im grösseren Kontext. Das Wasser, das man verbraucht, der Müll den man produziert – Spuren, die wenig vom Individuum erzählen. Erst ihre Summe,verursacht von vielen Einzelnen, macht ihr Ausmass spürbar. Zwischen diesen minimalenund globalen Spuren stehen die, die jeden Menschen individuell betreffen. Vergangenes undErinnerungen, die sich in unser Unterbewusstsein gebrannt haben, Erfahrungen, aus denen wir Rückschlüsse gezogen haben, Traditionen, Lehren und Gewohnheiten, die an unsweitergegeben wurden und so unsere täglichen Handlungen, unser ganzes Leben beeinflussen und steuern. Durch Worte, Taten und deren Wirkungen hinterlässt jederEinzelne wiederum Spuren in seinem Umfeld. Sie sind Zeugen unserer Existenz. DieSpuren, die wir hinterlassen und die Spuren, mit denen wir umgehen oder auch umgehen müssen, bestimmen uns, charakterisieren uns, geben uns ein Stück Identität. Darüber werden wir wahrgenommen und nehmen selbst wahr. So wie Spuren aber unsere Existenz bezeugen, so auch unsere Vergänglichkeit. Sie verlieren sich, verwaschen, verschwinden. Ein Mensch existiert nur solange wie die Spuren, die er hinterlässt. In der Ausstellung „Mein Vergiss nicht“ im Dienstgebäude Zürich zeigen acht Positionen in aktuellen, teils neu entstandenen Arbeiten verschiedene Herangehensweisen an das Thema Spuren. Ana Strika (*1981) thematisiert in ihrer grossformatigen Zeichnung die Auflösung der
Erinnerungen in fragmentarische Bestandsaufnahmen, die sich wiederum zu einem neuen Ganzen fügen, während in Stefan Inauens (*1976) Airbrush-Zeichnungen das Gesehene verblasst, unscharf und grau wird, wie die Erinnerungen selbst. Die Arbeit von Jonas Etter (*1981) spiegelt den Aspekt der Zeit, der das vermeintlich Beständige zerfliessen lässt. Petra Elena Köhle & Nicolas Vermot Petit-Outhenin (beide *1977) versuchen das Leben eines Unbekannten anhand von Fragmenten zu rekonstruieren. In der ausgestellten Videoarbeit folgen sie verschiedensten Spuren bis nach Griechenland, die Möglichkeit des Scheiterns immer vor Augen. Das, was beständig bleibt, weitergegeben wird oder sich verliert, befragt Lena Maria Thüring (*1981) in ihrer neuesten Arbeit und deckt so auf, in wie weit die Generation unserer Grosseltern Spuren in unser heutiges Leben zu tragen vermag. In der Videoinstallation von Karen Packebusch (*1981) kommt auch der Betrachter ins Spiel. Es scheint, als hinterliesse er Spuren an der dargestellten Person. Das Nicht-Vergessen-Können verschiedener, meist unangenehmer Ereignisse gerät hier ebenso ins Blickfeld wie in der Arbeit von Joëlle Allet (*1980), welche zeigt, dass Erinnerungen nicht immer verschwimmen, nicht einfach wegwaschbar sind. Sie bleiben umso präsenter, je mehr man versucht sie zu verdrängen, und sie prägen unsere Identität. „Mein Vergiss Nicht“ beschreibt gleichermassen eine Brüchigkeit, die fern ist von dem, was man zunächst hinter dem nostalgisch anmutenden Titel vermuten möchte. So auch in der Installation von Damian Jurt (*1978), die das Thema der Überwachung, das Hinterlassen von Spuren ohne unser Wissen und unsere Präsenz in einer virtuellen Welt thematisiert. In einer Zeit, in der sich das Individuum zunehmend in einer medialisierten Masse auflöst und in der ein gesteigertes Streben nach Selbstverwirklichung und das Hinterlassen von Spuren in allgegenwärtigen, globalen Netzwerken immer präsenter wird, erscheint es wichtig, wieder nach den Spuren des Einzelnen zu schauen, die Definition des Einzelnen durch seine eigenen Erfahrungen, Erinnerungen und Auswirkungen erneut ins Bewusstsein zu rufen. Das inflationäre „Nicht-wissen-wer-man-ist“ als zeittypische Erscheinung heisst auch, nicht zu wissen, welche Spuren man mit sich trägt und welche man selbst hinterlässt. Gleichzeitig wächst der Wunsch als Individuum Bedeutung zu gewinnen und nicht vergessen zu werden.

Ausstellung im Dienstgebäude, 10. Juni – 27. Juni 2010, kuratiert von Natalia Huser und
Manuela Reißmann
Vernissage: 10. Juni 2010, ab 18.00 Uhr
Joëlle Allet, Jonas Etter, Stefan Inauen, Damian Jurt, Petra Elena Köhle & Nicolas Vermot
Petit-Outhenin, Karen Packebusch, Ana Strika, Lena Maria Thüring

http://www.dienstgebaeude.ch

Ueli Alder, David Raymond Conroy, Lilly McElroy, Cecile Weibel Curated by Aoife Rosenmeyer
Dienstgebäude Zürich
14 – 29 Mai 2010, 14-18h
Eröffnung 12. Mai ab 18h mit Performance von Cecile Weibel um 19h30
www.dienstgebaeude.ch
The artists in this exhibition are interested in popular culture and apply it directly to their work. This is common in contemporary art; crossovers, collages and samplings from popular music and film are all familiar. It is even fashionable for high art to have an interest in low culture – a recent frieze.com editor’s blog, for example, saw Jörg Heiser cast a critical eye over the state of the music video today. Yet when these crossovers occur, popular culture is rarely unqualified – it is used and abused, or viewed through a lens of superiority. This picky attitude is after all practical; the thing about popular culture is that there’s a whole lot of it, and we need some selection process to find the things we should be devoting our time to, i.e. the proper, lofty, worthy culture.

The derisive attitude that accompanies the blurring of the cultural boundaries can be seen not just as selectivity, but also as an absence of sincerity. The latter is most definitely not fashionable; instead artists and critics hide behind strategies of, at best, self-referential or self-depreciatory glibness, or, at worst, irony and cynicism. The straightforward attempt to be sincere, honest and open whilst leaving something at stake is rare indeed. Literary critic Lionel Trilling gave a series of Harvard lectures in 1970 in which he unpicked the origins and recent unpopularity of sincerity. The trait of sincerity, (whether it is used or not being another matter), only came about with an evolving sense of self in relation to society; one can only be true to one’s own self if that self is an individual. But society and the city, with their tumult and mores and constraints would in turn lead to a devaluation of sincerity. By the time Hegel wrote his Phenomenology he judged the communication of one’s actual feelings directly and unequivocally as a regressive act relating only to the selfhood of a past, unenlightened time. This remains true: ‘To praise a work’ writes Trilling ‘…by calling it sincere is now at best a way of saying that although it need be given no aesthetic or intellectual admiration, it was at least conceived in innocence of heart’.

Graduating from the Zürcher Hochschule der Künste in 2008 Ueli Alder (b.1979, Urnäsch, Appenzell Ausserrhoden) showed a series of photographs that pay homage to rural Appenzeller traditions while interweaving their visual motifs with those of westerns and other filmic genres. Alder himself is the protagonist of each of these images, which are combinations of found historic photographs and staged scenes, an elaborate and solitary process of location shooting and digital montage to locate himself in a made-up era that seems marked by romance and authenticity despite its reconstruction. In this exhibition Alder is showing a new body of work – images of vast explosions. These are fictional collages that exaggerate already exceptional events. The resulting new, stunning images are difficult to place between reportage and Hollywood special effects; the suspended moment of the blast allows both eventualities. The push for ever clearer images of conflict, be they fantastic or factual, has created a currency of images so sharp they lose their connection to any true or possible reality.

David Raymond Conroy (b. 1978, Reading, UK) creates work that is restrained in form but which uses sources in which he has complete confidence. Conroy frequently quotes or even employs works by other artists, as readily referring also to writers, filmmakers and musicians; each work that inspires him is outstanding, no matter what form of expression it takes. His work is measured enough to acknowledge the danger and temptation to co-opt their voices, but nonetheless muddies the distinction between cool admiration and fandom. That is not to say that his work consists of collecting cultural greatest hits, it is much more about linking the truth of their expression to everyday experience. Indeed sometimes the expression comes from the quotidian, as in the 2009 work Sometimes I wish I could just disappear, a collection of photographs of mirrors sold on Ebay by their owners; in each the vendor is attempting to be out of the shot but their hand remains holding the camera, signalling their absence and their presence.

The context of her upbringing is a recurring presence in the work of Lilly McElroy (b. 1979, Arizona, USA). Southern Arizona is a landscape of grandeur and of cliché; its people are as traditional and as raw as in stereotypical America. Country and western music is a further point where reality and fiction collide. McElroy’s work deals with this legacy with gestures that resist as much as they embrace, and her struggle is played out directly and physically, not at a safe distance. The video Pushing Cowboys, 2005, records her encounters with Stetson and denim clad cowboys in a bar in her home town of Willcox where couples are dancing. Rather than harmoniously allowing herself to be led, McElroy attempts to push her partners into retreat, with limited success as the men stand fast. This and her other endeavours to personally come to terms with the culture are ham-fisted, but affecting.

midibach is a video and performance created for Dienstgebäude by Cecile Weibel (b. 1984, Zürich). In his frieze.com blog, Heiser writes that ‘The form of the music video somehow evolved in a manner that gave license to bands/directors to indulge in whatever kind of cod-Surrealist image making they liked’. Among Weibel’s inspirations for this new work were Derek Jarman’s Caravaggio and music videos, seeing this aforementioned creative license as an offer of a breadth of possibilities. A form without a set structure or intent can be used to do anything, though there are certain gestures that video makers return to with gusto, such as the ham-historic scene. With this in mind midibach is set to an excerpt of Bach’s Brandenburg Concerto in a midi version, the corrupted baroque score enhanced at one point with a hip-hop beat. The video’s figures are clad in the masks akin to wrestlers and costume elements such as garters, hooped skirts and wings that suggest a vague imagined past. Their movements imply different attitudes, which, like the childish yet menacing style of the lyrics, fall somewhere between aggression and subservience. Whether they are acting under duress or with confidence is unclear, making for uncomfortable watching.

Accepting the compromises entailed in living in the modern world, is sincerity possible in art without the artist having to cover their embarrassment through any of the contemporary strategies of dissembling? The artists shown here attempt to do this, what is more borrowing and being inspired by popular culture. They are not uncritical, nor are their expressions immature, but they also embrace the adolescent experience of pop culture, the discovery of something that is exciting or that directly communicates the intensity of an emotion. Their direct usage of popular culture makes works that are in the world, not at a remove.

Aoife Rosenmeyer

There will be an Art & Argument debate on 21st May at 7pm on a topic relevant to this exhibition. For more information see artandargument.blogspot.com

www.alderego.ch
www.davidraymondconroy.co.uk
www.lillymcelroy.com
www.itsoundslikerita.ch

Mit der Ausstellung „Herumstreifen in Farbe“ soll auf verschiedene Art und Weise Farbe in das Dienstgebäude – Raum für Kunst in Zürich gebracht werden. Die Auseinandersetzung mit Farbe betrifft ihren Umgang in der Malerei, aber auch in Fotografie und Film. Wie artikuliert Farbe Raumtiefe? Welchen Zusammenhang nimmt die Farbe zum Motiv ein? Die Ausstellung nimmt mit den Gemälden von Raphael Egli und Peter Stoffel zwei Positionen auf, die sich auf unterschiedliche Weise mit Farbe und Landschaft beschäftigen: zum einen entsteht durch Farbe Raumtiefe und zum anderen erzeugen kleine Farbflächen in ihrer Rhythmisierung ein topologisches Gebilde. Neben der Auseinandersetzung mit Malerei wird die Artikulation von Farbe und Raum insbesondere auch in Fotografie und Film befragt. Michel Borgmanns Fotoserie „from A to B and back again“ geht von Farbproben aus früheren Schaffensphasen über die Fotografie wieder zurück zum Pigment und der thematisch anders gelagerte Film „halbdichtheiten“ von Ralph Kühne stellt über die Kostümierung und den Spielort einen besonderen farblichen Eindruck her. Als Auftakt zur Ausstellung wird Anastasia Katsidis ihreInstallation „Freier Empfang“ (2009) auf dem Dach des Dienstgebäudes montieren. Die Satellitenschüsseln in Rosarot erregen die Aufmerksamkeit der Passanten der Langstrassenunterführung, sind aber auch von weitem, insbesondere aus dem Zug gleich den Werbeplakaten bei der Ein- und Ausfahrt des Zürcher Hauptbahnhofs sichtbar. Raphael Egli (*1975 in Bazenheid, lebt und arbeitet in Luzern und Emmenbrücke) könnte als Landschaftsmaler bezeichnet werden und so mit der Tradition aus dem 19. Jahrhundert und den alten Zentralschweizer Alpenbilder verbunden werden. Doch sein Umgang mit Landschaft und Farbe ist insofern innovativ, als er sich vom Motiv befreit und die Übertragung auf die Leinwand zum Thema macht. Anhand einer kleinen, vor Ort angefertigten Zeichnung, die teilweise auch Farbangaben enthält, entwirft Raphael Egli grosse Formate in Öl auf Leinwand. Bei der Übertragung in das andere Medium findet ein Transformationsprozess statt, hinzu kommt in erster Linie die Farbe, aber auch die Linien undProportionen verschieben sich. Auch Peter Stoffel (*1972 in Herisau, lebt und arbeitet in Genf) bezieht sich in seinen grossformatigen Ölbildern auf die Bergwelt. Doch seine Landschaften sind weitaus fiktiver und können bisweilen auch als nächtliche Stadtansicht oder als höhlenartiges Gebilde gelesen werden. Die kleinen übereinander und nebeneinander geschichteten Farbfelder sind der Moderne wie etwa der Malerei von Paul Klee und weiter entfernt auch kubistischen Tendenzen entlehnt, verbinden sich aber in postmoderner Manier mit psychedelischen Momenten. Innerhalb einer über die gesamte Bildfläche angeordneten Farbfelder entsteht ein unebenes Terrain, das sich in der Wahrnehmung je nach Fokus wieder neu ordnet. Die Farbwelten im traditionellen Medium der Malerei werden in der Ausstellung erweitert durch Michel Borgmanns (*1973 in Chur, lebt und arbeitet in Zetzwil und Zürich) fotografische Arbeiten. In den letzten fünf Jahren hat der Künstler in Anlehnung an das klassische Stillleben Arrangements in seinem Atelier zusammengestellt und diese fotografisch festgehalten. Die Bildkompositionen sind nicht nur durch die dort versammelten Objekte bezeichnend, sondern auch durch ihr farbliches Zusammenspiel. Letzteres kommt durch die pigmentierten Inkjetprints besonders gut zum Tragen. Die neueste Fotoserie „from A to B and back again“ nimmt Farbproben auf, die als Nebenprodukt früheren Schaffens auf kleinen Skizzenblättern entstanden sind, und setzt sie in einen neuen Kontext. Die im Titel angedeutete Schlaufe meint zugleich den Rückbezug auf ältere Arbeiten, den von ihnen gegangenen Weg von der Malerei über die Fotografie wieder zurück zum Pigment oder auch den über die räumliche Verschiebung und die Vergrösserung der ursprünglichen Bildvorlage entstandenen Neuformulierung der Farbkleckse. „Halbdichtheiten“ ist ein Film von Ralph Kühne (*1978 in Rapperswil, lebt und arbeitet in Luzern), der hier zum ersten Mal in einem Ausstellungskontext gezeigt werden wird. Er bedient sich verschiedener Kunsttraditionen und Sparten. Angelehnt an die Kostümierung aus modernen Theaterstücken und an Wortspiele zwischen Dada und Brechtscher Oper entsteht ein eigenständiger, zeitgenössischer Film. Die Farbigkeit ist geprägt von der hellblau türkisfarbenen Kulisse verschiedener Freibäder, vor deren Hintergrund sich das Rot, Schwarz und Weiss der Kostüme besonders gut abzeichnet. Der Film gleitet zwischen Flächigkeit und Raumtiefe hin und her, bewegt sich zwischen einer fortlaufenden Geschichte und den sich ins Nichts auflösenden Texten, lässt die Protagonisten zwischen Figur und Nichtfigur pendeln. Auf diese Weise entstehen lose Zusammenhänge, die in der Wahrnehmung jeweils neu aufeinanderprallen, sich verbinden oder aneinander zerbrechen. Auf humorvolle Art und Weise nimmt Anastasia Katsidis (*1974 in Wildnau, lebt und arbeitet in Luzern und Kairo) mit der Transformation von Gebrauchsgegenständen auf gesellschaftliche und kulturpolitische Situationen Bezug. Die zwischenmenschliche Kommunikation und die Bewegung innerhalb vonSystemen und über deren Grenzen hinweg werden immer wieder zum Thema. Besondere Aufmerksamkeit gibt die Künstlerin ihren Installationen über die Farbigkeit, meist Rot oder auch Rosarot.Die Farbe übt eine besondere Anziehungskraft aus, löst die Gegenstände aber auch aus ihrem Kontext und ermöglicht fiktive Zugänge. „Freier Empfang“ (2009) – eine Installation mit rosarot bemaltenSatellitenschüsseln und Colabüchsen als Empfangskopf – entstand vor dem Hintergrund der ägyptischen Gesellschaft in Kairo, ihrer mit solchen Empfängern ausgestatteten Dachlandschaft und dem Wunsch einer Beziehung zur Welt.

Dienstgebäude, Weichengasse 4, bei Neufrankengasse / Langstrassenunterführung, Zürich 4
079 211 71 12

http://www.dienstgebaeude.ch

Andreas Marti // Victorine Müller // Cat Tuong Nguyen
Eröffnung am Donnerstag 19. November 2009 ab 19 Uhr mit Bar und Crêpes
20. – 28. November 2009
Freitag/Samstag, 20./21. November
Freitag/Samstag, 27./28. November jeweils 14 bis 18 Uhr
http://www.dienstgebaeude.ch
Dienstgebäude, Weichengasse 4, bei Neufrankengasse / Langstrassenunterführung, Zürich 4

Herz der Finsternis : Hannes Baumgartner / Rita Capaul / Nicole Gozzer / Natalie Hofer / Stina Kasser / Sophie Meier / Eva Moline / Yvonne Pispico / Silvio Rohner / Monika Schmid / Fabienne Schürch / Karin Wiesendanger / Oliver Wüest / Natalie Youloundas / Cristina Zihlmann
Ein Projekt mit der F+F Schule für Kunst und Mediendesign Zürich
unter der Leitung von Cat Tuong Nguyen & Raffael Waldner
Freitag 12. Juni, ab 19 Uhr mit Bar und Crêpes
13. – 27. Juni 2009
Samstag, 13. Juni
Freitag/Samstag, 19./20. Juni
Freitag/Samstag, 26./27. Juni jeweils von 14 bis 18 Uhr

Weichengasse 4 (bei Neufrankengasse/Langstrassenunterführung) 8004 Zürich
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Quynh Dong / Thomas Hauri / Edit Oderbolz / Andreas Widmer
Donnerstag, 7. Mai ab 19 Uhr mit Bar und Crêpes
Performance um 20 Uhr mit Quynh Dong
8. – 23. Mai 2009
Freitag/Samstag, 8./9. Mai
Freitag/Samstag, 15./16. Mai
Freitag/Samstag, 22./23. Mai
http://www.dienstgebaeude.ch/
Weichengasse 4 (bei Neufrankengasse/Langstrassenunterführung) 8004 Zürich